Ce mercredi, en parcourant la toile culturelle française, un mot a retenu mon attention. Un mot chargé, dans l’imaginaire haïtien, d’une densité singulière — à la fois obscure, troublante, presque inquiétante, convoquant tout un lexique de l’ombre que l’on hésite à nommer.
Intriguée, je m’en suis approchée davantage. De lien en lien, j’ai lu, exploré, assimilé. Et c’est avec une forme de stupeur que j’en suis ressortie : Zonbi .Ce « zonbi »-là n’était plus seulement une figure du passé ni une ombre tapie dans l’imaginaire : il vibrait, il jouait, il criait.
Zonbi est un groupe.
Contre toute attente, il m’a emportée ailleurs. Sans quitter mon écran, j’ai fait mes bagages pour Rennes, là où ce nom résonne désormais sur scène, porté par un groupe qui en redéfinit les contours.
Zonbi
Apparu récemment sur la scène parisienne et révélé lors des Transmusicales de Rennes à Rennes, Zonbi s’impose comme une formation singulière, à la croisée du jazz expérimental, du post-punk et des traditions rituelles. Mais au-delà de son identité musicale, une interrogation centrale s’impose : pourquoi et comment ce groupe français choisit-il Haïti comme horizon esthétique et symbolique ?
Une origine française, un imaginaire haïtien
Contrairement à ce que son nom pourrait suggérer, Zonbi ne saurait être défini comme un groupe haïtien au sens strict. Aucune donnée ne permet d’affirmer une origine haïtienne homogène parmi ses membres. Leur ancrage est avant tout européen.
Cependant, loin de toute posture anecdotique, la référence à Haïti constitue le socle conceptuel du projet. Elle relève d’un choix réfléchi : celui d’habiter une mémoire historique marquée par l’esclavage, la dépossession et les luttes pour l’émancipation.
Le créole : entre apprentissage et réinvestissement
L’usage du créole haïtien dans les compositions du groupe soulève une question essentielle : s’agit-il d’une langue maternelle ou d’un outil acquis ?
Tout porte à croire qu’il s’agit d’un langage appris, travaillé et investi. Zonbi ne mobilise pas le créole comme simple ornement exotique, mais comme une matière sonore et symbolique. Ce choix implique un processus d’appropriation — linguistique, culturel et poétique — par lequel la langue devient un vecteur de sens autant qu’un instrument rythmique.
Ainsi, le créole participe pleinement à l’élaboration d’une transe musicale, en inscrivant les compositions dans une profondeur historique et affective.
Portraits des musiciens : une constellation d’individualités
Au cœur de cette entreprise artistique se déploie un collectif de cinq musiciens, dont les trajectoires singulières nourrissent la richesse du projet.
Le chanteur Dimitri Milbrun en constitue la figure centrale. Sa voix, à la fois habitée et incantatoire, porte une parole tendue entre engagement politique et quête spirituelle. Il incarne la volonté du groupe de faire de la musique un espace de révolte et de réappropriation symbolique.
Au saxophone, Shion Iwata développe un jeu d’une grande liberté formelle. Héritier des esthétiques du free jazz, il inscrit ses interventions dans une dynamique de rupture, alternant déchirures sonores et suspensions méditatives.
La basse d’Achille Bof, surnommé « Potomitan » — en référence au pilier central des temples vaudou — assure la cohésion de l’ensemble. Son jeu, à la fois ancré et mouvant, confère à la musique une dimension structurelle et rituelle.
À la guitare, Simon Harel privilégie une approche expressive, où chaque son semble chargé d’une intention. Refusant toute virtuosité démonstrative, il fait de son instrument une voix capable d’exprimer l’indicible.
Enfin, le batteur Tom Dalib orchestre les dynamiques du groupe. Sa pratique, profondément physique, alterne entre intensité brute et relâchement, créant les conditions propices à l’émergence de la transe.
Entre appropriation et réinvention
Toutefois, cette relecture semble animée par une volonté de compréhension et de respect. Les références au vaudou, à la figure du « zonbi » ou encore aux structures symboliques témoignent d’un effort d’ancrage, même s’il demeure nécessairement reconstruit.
Une esthétique de la transe et de la libération
Musicalement, Zonbi élabore une esthétique fondée sur la tension et la libération. Inspirée des pratiques rituelles d’Haïti, la transe devient le cœur de l’expérience.
La scène se transforme en espace liminal, où les frontières entre artistes et public s’effacent. La musique n’est plus seulement entendue : elle est vécue, éprouvée, traversée.
Une identité choisie
Le groupe revendique un ancrage dans l’imaginaire haïtien et utilise le créole dans ses compositions. Toutefois, les sources disponibles ne précisent ni l’origine haïtienne éventuelle de ses membres, ni les modalités d’apprentissage de cette langue. Leur rapport au créole semble donc relever avant tout d’une démarche artistique et symbolique, plutôt que d’une évidence biographique.
Cherline Ades..
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